Будь с нами!
Присоединяйся к нашему каналу в Телеграме, чтобы не пропустить эксклюзивный контент.
Одна из наиболее успешных и известных арт-групп AES+F выставляется сегодня по всему миру. Мультимедийные инсталляции и проекты Татьяны Арзамасовой, Льва Евзовича, Евгения Святского и Владимира Фридкеса, рассказывают, прежде всего, о глобальной культуре и анализируют современные ценности.
Их фильм-инсталляция Inverso Mundus – Перевернутый мир (с лат.) – был показан в Венеции во время биеннале, и до сих пор гастролирует по мировым музеям.
Никто не рисует море так, как он! Маринист Айвазовский был и одним из самых плодовитых художников: за свою творческую карьеру он создал более 6,000 работ с изображением моря.
«Черное море», 1881
Иван Айвазовский / Третьяковская галерея«Черное море» искусствоведы и критики считают его magnum opus – итогом переосмысления карьеры и жизни.
Его знаменитые «текстовые картины» становятся интернет-мемами, а ретроспективная выставка «Что этим хотел сказать художник?» пребывала в состоянии постоянного изменения все то время, пока экспонировалась в столичном ММОМА. В этом весь Юрий Альберт. Концептуалист в 15 лет попал в мастерскую Комара и Меламида, под чьим влиянием и начал переосмыслять суть современного искусства в своих работах.
«Я не Джаспер Джонс», 1980
Среда обученияИзлюбленный прием Альберта – взять известное произведение, изменить его и превратить в свое, одновременно вступив в полемику с оригиналом. Например, знаковой является серия работ, где художник иронически сопоставляет себя с международными арт-звездами.
Европейский успех знаменитых «Русских сезонов» Сергея Дягилева в Париже во многом обязан Баксту. Его декорации и эскизы костюмов к балетам стали самостоятельной сенсацией: они выставлялись в Лувре, а ориенталистский стиль Бакста ввел в Париже моду на тюрбаны, широкие брюки и цветные парики.
«Портрет С.П. Дягилева с няней», 1906
Global Look Press
Экстравагантный Бартенев заявил о себе в 1990-х – его костюмы из всего, что попадалось под руку, перформансы и инсталляции были своеобразными эмблемами времени.
Перформанс «Пузыри Надежды», 2013
Евгений Одиноков/SputnikС тех пор его прозвали «мастером эпатажа», человеком-праздником и ходячим перформансом: Бартенева можно узнать из тысячи по его ярким фантастическим костюмам – они до сих пор являются средством, которым он исследует мир или переосмысливает уже известные сюжеты.
За авангардистом Белютиным закрепилась слава великого экспериментатора и мистификатора. Он организовал в Москве собственную студию и своего рода школу «Новая реальность», к которой примкнуло более 3000 художников.
«Ленин в гробу», 1962
Любовь Чиликова/SputnikВ 1962 году работы абстракционистов студии выставили в столичном «Манеже», куда заглянул генсек Никита Хрущев и устроил невероятный скандал, назвав их живопись «мазней». С тех пор «Новая реальность» оказалась едва ли не под запретом, Белютин стал затворником и делал работы «в стол» чуть ли не до перестройки.
Символист, рисовавший ветшающие старинные усадьбы, полуденное чаепитие в садах и дворянство на рубеже веков. Говорят, представитель Серебряного века Борисов-Мусатов ловил «исчезающий мир», последние отголоски уходящей эпохи.
«Водоем», 1902
Виктор Борисов-Мусатов / Третьяковская галереяС «Водоема» началось его признание как художника-символиста: у приусадебного пруда он нарисовал свою сестру и невесту. Картина стала его свадебным подарком жене и его первым значительным успехом.
Был одним из лучших портретистов своего времени. Он рисовал парадные и камерные портреты русской аристократии, ходил на приемы к императору, был знаком с Пушкиным.
«Последний день Помпеи», 1833
Карл Брюллов / Государственный Русский музейНо все это было после двенадцати лет, проведенных в Италии: шесть из них Брюллов работал над монументальным произведением «Последний день Помпеи». За нее художник получил гран-при на Парижской выставке и признание в Европе и России.
Он рисовал русскую знать и даже императора, но знаменит больше по портретам юных дам: они выставляются как в Третьяковской галерее в Москве, так и в Лувре в Париже. Ярко выраженная чувственность – главное достижение Боровиковского.
«Портрет М.И. Лопухиной», 1797
Владимир Боровиковский / Третьяковская галерея
В Советском Союзе его работы не принимали, а удача пришла в начале перестройки: в 1988 году на первом и единственном аукционе Sotheby’s его «Фундаментальный лексикон» был продан западному коллекционеру за рекордные по тем временам $416,000 (после тщательного допроса КГБ – ныне ФСБ). Через пару недель Брускин был уже в Америке, и с тех пор активно выставляется в известнейших музеях мира.
«Фундаментальный лексикон», 1986
Пресс фото«Фундаментальный лексикон» – это серия полотен, где множество гипсовых фигурок – пионеров, спортсменов, пролетариев, комсомолок – несут эмблемы официальной советской культуры, визуальный код советской массовой агитации и пропаганды.
Он снискал признание в качестве «отца русского футуризма» как в России, так и за рубежом. В частности, в Нью-Йорке, где поселился в 1922-м и вел активную деятельность в просоветских кругах. Бурлюк пропагандировал футуризм и кубизм всеми доступными ему способами: издавал журнал, брошюры, писал стихи, рецензии и картины.
«Портрет моего дяди», 1910-е
Давид Бурлюк / Иркутский областной художественный музей имени В.П.СукачеваНо настоящий успех принес ему «Портрет дяди» – единственная картина Бурлюка, на которую ему удавалось находить покупателя чуть ли не в каждом городе. Она стала его манифестом кубофутуризма. «Художник делал [портрет] быстро в гостинице, вклеивая куски газеты в разорванное углами лицо, имеющее три глаза, два носа и так далее», – вспоминал его друг, художник Евгений Спасский.
Булатов один из основателей соц-арта наряду с Комаром и Меламидом. Его персональные выставки проходят в ведущих музеях и галереях по всему миру.
«Слава КПСС II», 2002-2005
Legion Media«Пространство есть свобода» – говорил Булатов. Буквально «Слава КПСС» – это советский лозунг на фоне голубого неба. Метафорически – свобода, которая просачивается даже сквозь решетку коммунистической идеологии.
Художник Васнецов пробовал себя в разных стилях и направлениях, от росписи храмов (как Спас на Крови в Санкт-Петербурге) до завитушек ар-нуво. Но для большинства россиян он ассоциируется исключительно с персонажами русских сказок. Их знают именно такими, какими их изобразил Васнецов.
«Богатыри», 1881-1898
Виктор Васнецов / Государственная Третьяковская галереяНад богатырями – популярными славянскими супер-героями Добрыней Никитич, Ильей Муромец и Алешей Попович – он трудился почти 20 лет.
В контексте российского искусства Вейсберг стоит особняком – он не принадлежит ни к официальному искусству, ни к нонконформистам. Своей визитной карточкой он сделал «белую живопись» – картины, будто нарисованные белой краской на белом фоне. По словам самого Вейсберга, он пытался добиться «невидимой живописи».
«Портрет жены», 1976
Владимир Вейсберг / Государственный художественный музей им. А.Н. РадищеваНа самом же деле, белый пигмент он практически не использовал. Его картины – это сложнейшее сочетание мелких разноцветных частиц. «Картина должна стать белой, если все, именно все ее цвета сойдутся “в паз”», – говорил он.
Венецианов первым из художников начал изображать сцены из народной жизни, сделав себе имя «на крестьянском жанре».
«На жатве. Лето», 1830
Алексей Венецианов / Государственная Третьяковская галереяПри этом его не слишком интересовали предметы быта и прочие детали крестьянской жизни. Он рисовал чувство простора, свободы и необъятности. Многие считают, что его «жатва» и есть тот самый, истинно русский пейзаж.
Художник-баталист Верещагин рисовал то, что видел своими глазами. Он побывал на многих войнах, объездил мир от Индии до Сирии. Свои выставки в Нью-Йорке и Лондоне он организовывал сам – нередко выставляя там еще и трофеи с поля боя.
«Апофеоз войны», 1871
Василий Верещагин / Государственная Третьяковская галереяНо его «Апофеоз войны» – исключение, полностью придуманный им сюжет. На раме художник написал: «Посвящается всем великим завоевателям – прошедшим, настоящим и будущим».
Имя Врубеля прежде всего, связывают с «Демоном», которого он рисовал неоднократно и одержимо. Образ падшего ангела, страдающего от своей демонической сущности, был навеян одноименной поэмой Михаила Лермонтова – для нее Врубель сделал порядка 30 зарисовок.
«Демон сидящий», 1890
Михаил Врубель / Государственная Третьяковская галереяДемона, по его признанию, он видел и в своих кошмарах. Острый психоз, которым художник страдал к концу жизни, в сочетании с одержимостью одним образом, заставлял современников думать, что это пристрастие к демонизму свело его с ума.
Он переосмыслял религиозные сюжеты, пренебрегая заведенным каноном, за что был в опале у церковной цензуры. Но именно так, считал Ге, он нащупывал истинные эмоции и смыслы известных сюжетов.
«Голгофа», 1893
Николай Ге / Государственная Третьяковская галереяСвою знаменитую «Голгофу» он нарисовал за год до смерти. «Да, эта картинка меня страшно измучила, – писал он своему другу Льву Толстому. – Я вчера нашел то окончательное, что нужно, то есть ту форму, которая вполне живая. Я нашел способ выразить Христа и двух разбойников вместе без крестов на Голгофе.... Одним словом… три души живые на холсте. Я сам плачу, смотря на картину».
Гончарова, вместе со своим мужем Михаилом Ларионовым, была в числе пионеров русского авангарда. С 1914-го она работала на «Русских сезонах» Дягилева в Париже, где и работала до смерти в 1962-м.
«Ангелы, мечущие камни на город», 1911
Наталья Гончарова / Государственная Третьяковская галереяСегодня ее работы хранятся в ведущих мировых собраниях, включая Тейт Модерн в Лондоне и центр Помпиду в Париже. А в 2010 году Christie’s продал ее картину за $9 миллионов – на тот момент она стала самым дорогим художником-женщиной за всю историю.
Ведущий древнерусский живописец Феофан Грек – создатель одной из главных святынь православной церкви. Его Икона Богородицы с младенцем Христом на руках считается чудотворной – по легендам она не раз помогала в битвах.
«Донская икона Божией Матери», 1380
Феофан Грек / Государственная Третьяковская галереяЭтот образ, как и «Троица» Андрея Рублева, стал частью культурного кода русских.
Гутов принадлежит к поколению художников, громко заявивших о себе в начале 1990-х. Он создает новые прочтения канонических объектов культуры, русского языкы, русской иконописи и классического искусства, веря, что всю их суть можно передать за минуты работы. Самые узнаваемые его арт-объекты это металлические панно – перифраз Рембрандта и древних русских икон. Стоит отойти чуть в сторону и изображение искажается. Считается, что искажение это проходит все стадии развития искусства XX века - от кубизма и экспрессионизма к абстракции.
Проект «E’IK’ΩN», 2012
Кирилл Каллиников/SputnikСписок арт-событий, в которых участвовал художник, почти бесконечен, от Венецианской и Сиднейской биеннале и Documenta в Касселе до музея Гуггенхайма.
Классик советского официального искусства был одним из столпов социалистического реализма, воспевающего культ здоровья, спорта, труда и нового, советского образа жизни. Стиль этот он отшлифовал до совершенства: его сильные, накаченные мужчины и женщины без устали с улыбкой на лицах обороняют города, трудятся на заводах и прославляют партию.
«Оборона Севастополя», 1942
И. Коган/SputnikСовременники Дейнеку или боготворили, или ненавидели: там, где Дейнека изображал героизм во имя коммунизма, некоторые видели острую нужду и отсутствие выбора. Ведь его утопические проекты создавались на фоне массовой нищеты и репрессий.
Дуэт двух московских концептуалистов, живых классиков актуального искусства, экспериментирует с созданием социальных утопий при помощи вымышленных персонажей.
«Homo Lignum», 1996 - …
Игорь МакаревичПроект «Homo Lignum» – один из самых сложных и длинных, например, до сих пор не закончен. Он про историю скромного бухгалтера Николая Ивановича Борисова, маниакально стремящегося стать деревом.
В 1970-х Захаров вошел в круг московских концептуалистов, начиная с абсурдистских акций и дойдя до живописи. «С 1985 по 1989 я сделал множество живописных работ огромного размера, после этого - ни одной, кроме нескольких, сделанных углем, и сейчас возвращаться к холсту-маслу для меня мука», – говорил он. В том же 1989 он перебрался в Кёльн, где начался новый этап творчества – инсталляции.
«Даная», 2013
AFPЕго проект «Даная» на Венецианской биеннале стал сенсацией. За первый же час работы к русскому павильону выстроилась очередь, чтобы посмотреть на уникальный процесс материализации известного древнегреческого мифа: как золотой дождь из монет с надписями trust, freedom, love, unity сыпется вниз из помещения, где находится можно только зрителям-мужчинам, «в утробу», где только зрители-женщины.
Российский король китча, без которого не обходится ни одна крупная выставка современного искусства. Он принадлежит к тому поколению советских художников, которые первыми вышли на международную арену и стали именоваться «русским современным искусством».
«Че Гевара», 2000
Сам Звездочетов на слово «художник» даже какое-то время обижался. «Я – человек, который толкует… Ведь у меня сплошное цитирование, компиляции», – говорил он.
Его называют «русским Ван Гогом». Роберт Фальк говорил: «Каждое прикосновение его кисти бесценно», а вторил ему сам Пикассо. Маляр по специальности, Зверев вышел на художественную сцену в конце 1950-х, а в 1965 году прошла его первая зарубежная выставка – в парижской «Motte», хотя сам он за границей никогда не был.
«Портрет К.М. Асеевой», 1969
МОММАА вот советская система его не любила. Художника преследовала милиция, чтобы арестовать «за тунеядство» (была уголовная статья), в то время как он жил исключительно своим искусством и своей единственной любовью и музой – Ксенией Асеевой, вдовой поэта Николая Асеева. Она была старше его на 39 лет.
Иванов был художником, приближенным к императору, ему особенно удавались библейские и мифологические сюжеты. Общество художников даже профинансировало его поездку в Италию «для дальнейшего усовершенствования».
«Явление Христа народу», 1837-1857
Александр Иванов/Государственная Третьяковская галереяНо из Италии Иванов решил вернуться только после того, как закончил свой главный опус о явлении Мессии. На него ушло 20 лет, было сделано 600 эскизов. Купил и привез огромное полотно в Санкт-Петербург император Александр II. Для картины пришлось даже построить отдельное здание.
Рожденный в России в семье испанского политэмигранта, Инфанте стал самым известным представителем российского лэнд-арта и кинетического искусства. Свои абстрактные инсталляции художник называет «артефактами» – он помещает зеркала и подвижные конструкции в природные ландшафты, делая природу неотъемлемой частью произведения.
Серия «Очаги искривленного пространства», 1979
Ф. Инфантэ/SputnikСчитается, что Инфанте продолжатель традиций русского авангарда, особенно Малевича и Татлина. Его работы находятся в собраниях более 30 музеев и частных коллекций по всему миру.
Изобретатель абстракционизма Кандинский был в числе пионеров русского авангарда. Вместе с соратниками – Малевичем, Шагалом, Гончаровой, Ларионовым и другими, – он безоглядно рвал с традициями реалистической живописи.
«Композиция №7», 1913
Василий Кандинский/Государственная Третьяковская галереяЕго «Композицию №7» называют вершиной творчества в период до Первой мировой войны. Сможете ли вы рассмотреть в ней Воскрешение из мертвых, Судный День, Всемирный Потоп и Райский сад? Именно это, согласно записям, изобразил Кандинский.
Главные звезды неофициального советского искусства и современной арт-сцены. Благодаря Илье и Эмилии, московский концептуализм стал самым известным направлением современного русского искусства во всем мире. Супружеская пара живет в Нью-Йорке, на Лонг-Айленд с конца 1980-х, и делает персональные выставки от Музея современного искусства в Нью-Йорке до Помпиду в Париже, Tate в Лондоне и Эрмитажа в Санкт-Петербурге.
«Жук», 1982
Агентство "Москва"В 2008 году «Жук» побил ценовой рекорд – он был продан за £2,6 млн (почти $6 млн), а Кабаковы стали самыми дорогими из ныне живущих русских художников. Этот список они возглавляют до сих пор.
Когда Кипренский закончил портрет великого поэта Александра Пушкин, тот посвятил ему стихотворение, написав: «Так Риму, Дрездену, Парижу известен впредь мой будет вид».
«Портрет А.С. Пушкина», 1827
Орест Кипренский/Государственная Третьяковская галереяЛитератор оказался прав. Портретиста Кипренского, которого на Западе сравнивали, а порой даже путали, с Рембрандтом и Рубенсом, создал самое известное изображение Пушкина в массовой культуре – именно таким его теперь знают в России и мире.
До сих пор не установлено, кто эта молодая женщина, изображенная на портрете идеолога русского передвижничества. Художник предпочел сохранить интригу и не раскрыл ее личности даже в дневниках и записках, обнаруженных после его смерти. Сегодня один из самых эмблематичных портретов в отечественной живописи называют «русской Мона Лизой».
«Неизвестная», 1883
Иван Крамской/Государственная Третьяковская галерея
Яркий представитель «русского импрессионизма», Коровин был вдохновлен Парижем и нарисовал там немало своих лучших пейзажей. Не удивительно, что во Франции он имел огромный успех: там он стал кавалером Почетного легиона и получал золотые и серебряные медали за свои работы.
«Париж. Бульвар Капуцинок. 1906»
Константин Коровин / Третьяковская галереяНо после революции на родине художник из страны советов решил бежать – политика новой власти его тяготила. В 1922 году он получил разрешение на выезд – для лечения и проведения персональной выставки – но так и не вернулся обратно. Жить он остался, конечно, в Париже.
Компания Coca-Cola обещала стереть его в порошок. Он удостоился внимания ФБР, его выставки в России отменялись, а некоторые работы – попадали под суд. Его метод – соединять несоединяемое, как, например, профиль Ленина с логотипом известной компании.
«Ленин и кока-кола», 1982
Екатерина Чеснокова/SputnikДа, искусство Косолапова провокационно и зачастую скандально, но это не мешает ему оставаться уважаемым классиком соц-арта (советского варианта поп-арта), чьи работы хранятся в лучших музеях мира.
Даже самые, казалось бы, незначительные детали реальности, от иллюминации московских улиц и похоронных венков до строительной сетки, у Кориной, участницы основного проекта Венецианской биеннале 2017 года, – предмет рефлексии. Ее называют мастером тотальной инсталляции. Последние персональные выставки Кориной прошли в фонде GRAD в Лондоне, Бруклинской академии музыки в Нью-Йорке и на фестивале Steirischer Herbst в Граце, Австрия.
Инсталляция «Хвост виляет кометой», 2017
Ирина Корина/фото Алексей Народицкий/Музей современного искусства "Гараж"«Хвост виляет кометой»– огромная трехэтажная башня – появилась в московском «Гараже» и стала сборником цитат из ее творчества.
Его называют «главным русским Сезаннистом», «главным русским импрессионистом» и одним из самых дорогих русских художников на международных аукционах. Кончаловский хотя и перенял многое у французов, но смог найти свой собственный, как его называли западные критики, «cлавянский» стиль.
«Семейный портрет (на фоне китайского панно)», 1911
П. КончаловскийНа родине современники Кончаловского не принимали настолько, что даже не хотели экспонировать свои работы рядом с его. Но когда СССР в 1924-м впервые принял участие в Венецианской биеннале, то выставил в своем павильоне 13 картин именно Кончаловского.
Главные «тролли» официального искусства СССР создали свой неповторимый жанр соц-арта, советского аналога поп-арта. Они делали котлеты из главной пропагандистской газеты «Правда», изображали себя в роли Ленина и Сталина, подписывали своими именами главные советские лозунги и поместили Ленина на фоне эмблемы «Макдональдс».
«Ялтинская конференция», 1982
Комар & МеламидДаже уехав из СССР, художники не прекратили свой едкий стеб. Под их прицелом – то Энди Уорхол (которого они называют «идиотом»), то Герхард Рихтер («так рисуют животные, если дать им в лапы кисть»).
Живопись Кошлякова имеет яркие отличительные черты - почти всегд его работы написаны на фактурном гофрокартоне; почти всегда его урбанистические пейзажи «текут» по поверхности. Образы прошлого, руины, греческие мифы, память – его всегда актуальные герои.
Серия «Романский пленник», 1991-1994
В.КошляковСегодня Кошляков живет в Париже и буквально нарасхват: он выставлялся в Лувре, музее Гуггенхайма, на биеннале в Сан-Паоло, Венеции. Но и сейчас с иронией вспоминает, что его первая выставка прошла в провинциальном общественном туалете.
Сам Коржев, шутя, называл себя «старым соцреалистом». Искусствоведы повесили на него ярлык «представитель сурового стиля». Но творчество Коржева вышло за эти рамки: несмотря на высокие посты в Союзе художников, он сумел уйти от политзаказа в чувственную, порой сюрреалистическую сферу. Он прежде всего художник сильной человеческой эмоции, для которой война, революция и советские «стройки века» были только фоном.
«Поднимающий знамя», 1960
Гелий Коржев / Русский музей
Его обвиняли в жульничестве, вроде скрытой подсветки своих полотен. Доброжелатели напротив – называли «русским Моне», за виртуозную работу с красками. Его Лунная ночь с отражением света в реке Днепр стала сенсацией. Тем более, что это был первый случай в истории русского искусства, когда на выставке присутствовала всего одна работа.
«Лунная ночь на Днепре», 1880
Архип Куинджи/Государственный Русский музейУспех был таким головокружительным, что отправил Куинджи в добровольное изгнание на 30 лет – критики не приняли представленные после Лунной ночи работы, а художник долго не мог это пережить.
Национальный колорит, от самоваров и ярмарок до пышнотелых купчих в цветастых платьях – вот что привлекало Кустодиева и так выделяло его среди других художников его времени. Он – единственный русский художник в истории, получивший золотую медаль на Венецианской биеннале.
«Красавица», 1915
Борис Кустодиев/Государственная Третьяковская галереяЕго «Красавица», изображение русской купчихи, стала программной работой и итогом исканий неповторимого стиля. «Худые женщины на творчество не вдохновляют», - говорил он. Художник создал эту и другие свои знаменитые работы, будучи уже парализованным – он пережил несколько операций на спинном мозге.
«Человек-собака» – первый перформанс Олега Кулика: голый, он ходил на четвереньках и кидался на прохожих. Персонаж акции стал одним из символов сумасшедших 1990-х, а Кулик – одним из основателей московского акционизма.
Перформанс «Человек-собака», 1994
ReutersПосле художник пробовал себя в самых разных стилях и техниках – от скульптуры до живописи, и продолжает экспериментировать и сегодня. Его работы можно найти в парижском Центре Помпиду и лондонской Tate Modern.
Человек воспринимает не сам предмет, а сумму лучей, идущих от источника света и отраженных от этого предмета – именно так Ларионов объяснял лучизм, изобретенное им направление беспредметной живописи русского авангарда.
«Петух. Лучистый этюд», 1912
Третьяковская галереяЛарионов, впрочем, постоянно балансировал между предметным и беспредметным искусством, и оставил после себя вполне разнообразное наследие. Он был мужем «амазонки авангарда» Натальи Гончаровой, но, в отличие от жены, будучи в эмиграции во Франции, за последние 30 лет жизни фактически не создал ничего значительного.
Лентулов смело жонглировал стилями: он писал то под влиянием символистов и импрессионистов, то кубистов и абстракционистов. Но был одним из первых, кто взял в качестве ориентира в творчестве именно цвет, а не предмет.
«Василий Блаженный», 1913
Третьяковская галереяЗа буйство красок в работах его прозвали «художником солнца». Характерный факт из биографии Лентулова: это он в годовщину Октябрьской революции выкрасил деревья и газон на Театральной площади (рядом с Кремлем) в неистово фиолетовый цвет.
Так выглядит пропагандистский плакат, если его делает неистовый приверженец супрематизма. Красный треугольник символизирует Красную армию большевиков, которая сокрушает клином оборону Белой армии, империалистов.
«Клином красным бей белых!», 1919-1920
Публичный доступЭль Лисицкий был соратником Малевича и развивал идеи авангарда. Например, это он способствовал тому, чтобы супрематизм вошел в архитектуру.
Левитан был влюблен в русскую провинцию и стал мастером «пейзажа настроения» – за это ему, в конце концов, дали звание академика. Но путь к этому у еврейского художника был долог: некоторые преподаватели Левитана считали, что еврей не должен касаться русского пейзажа, это удел коренных русских художников. Из-за еврейства он также высылался из столицы по царскому указу.
«Над вечным покоем», 1894
Третьяковская галереяНо время все рассудило: существует мнение, что «Над вечным покоем» – «самая русская» из всех, когда-либо написанных на русскую тему картин.
Еще один мастер парадного портрета 18 века. О его таланте говорит круг тех лиц, кого он писал – от императрицы Екатерины II и французского философа Дени Дидро до Прокофия Демидова, крупнейшего горнопромышленного магната.
«Портрет П.А. Демидова», 1773
Третьяковская галереяДемидов имел репутацию образованного тайкуна и эксцентричного чудака. Однажды он, например, скупил в Санкт-Петербурге всю пеньку (волокно из конопли), чтобы проучить англичан, которые во время пребывания его в Англии заставили заплатить астрономическую цену за нужный товар. Даже свой портрет Демидов заказал не в мундире с наградами, а в домашнем халате и ночном колпаке…
Малевич – главный символ русского авангарда, а его «Черный квадрат» – живописный манифест супрематизма. После супрематизма искусства нет – верил Малевич, и поэтому предлагал сжечь все картины и выставить их прах в музеях. Трагично, но именно так отчасти и вышло в первые месяцы революции 1917 года.
«Черный квадрат», 1915
Третьяковская галерея
«Бессодержательно» – так петербургская Академия художеств отозвалась о выпускной работе «Смех» экспрессиониста Малявина. Выпускник не отчаялся, и спустя два года прихватил хохочущих крестьянок с собой в Париж.
«Смех», 1898
Международная галерея современного искусства Ка'Пезаро, ВенецияТам во время Всемирной выставки полотно произвело фурор – художник получил золотую медаль, а картина была куплена итальянским правительством для галереи современного искусства в Венеции. Малявин, конечно, вернулся на родину знаменитостью. Про критику «Смеха» быстро забыли, а в 1906 году дали Малявину почетное звание академика.
Мастер перевоплощений, он создал бесконечный перформанс длиною в собственную жизнь. Практически единственный представитель травести-арта в России исследовал персоналии известных героев мировой истории и поп-культуры, примеряя их образы на себя. Кем только не был за свою короткую 44-летнюю жизнь художник – Мэрилин Монро и Гитлером, Иисусом Христом и Лениным, Энди Уорхолом и Владимиром Путиным.
Серия «Жизнь замечательных людей», 1996
МАММ
В конце 19 века Маковский считался модным и дорогим портретистом и автором исторических картин. В портфолио у художника была и большая золотая медаль Парижской всемирной выставки.
«Дети, бегущие от грозы», 1872
SputnikНо Маковский часто рисовал и трогательные, романтические картины о нелегкой сельской жизни. Его босая девочка, бегущая с братом от грозы – реальный сюжет, привезенный из очередного путешествия по российским губерниям.
Один из главных символов советской эпохи и монументальной пропаганды, 24-метровые «Рабочий и Колхозница» был создан для парижской Всемирной выставки. По замыслу его автора Веры Мухиной фигуры должны были быть голыми, но партия потребовала их «одеть». Появление одежды, впрочем, не повлияло на тот эффект, что произвел монумент: его даже хотели выкупить французы, но Советский Союз отказал.
«Рабочий и Колхозница», 1937
Global Look PressВера Мухина еще с 1920 годов выполняла государственные заказы на монументы, но несмотря на многочисленные премии (только одних сталинских премий – 4) ей никогда не заказывали скульптур Ленина и Сталина. Все потому, что Мухину считали недостаточно благонадежной. В начале 1930-х ее высылали из Москвы, а после парижской выставки отдали поручение никогда не выпускать ее за границу.
Концептуалист Нахова считается автором первых тотальных инсталляций в российском современном искусстве. В середине 1980-х она до неузнаваемости переделала одну из комнат собственной квартиры, оказавшись одновременно и автором своего произведения, и персонажем, который живет внутри него. Так квартира превратилась в полигон для экспериментов на несколько лет.
Проект «Комнаты», 1980-е
Global Look PressВ 2015 году Нахова стала первой женщиной-художницей, выставленной в павильоне России на Венецианской биеннале.
Он создавал монументальные произведения, увидеть которые сегодня можно как в России, так и на Украине, в США, Египте, Швеции и Ватикане. Однако в Советском Союзе скульптору пришлось пройти путь жесткого остракизма. Из-за разногласий с официальным культурным стилем – соцреализмом – его критиковали газеты; его вызывали на беседу в партийные кабинеты, избивали на улице; тогдашний глава государства Никита Хрущев назвал его работы «дегенеративным искусством». По иронии судьбы, когда Хрущев умер, его семья обратилась за надгробием именно к Эрнсту Неизвестному (и он сделал его из двух мраморных глыб – белой и черной – символизирующих противоречивость Хрущева).
«Маска Скорби», 1996
Global Look PressНо самая известная его работа, пожалуй, это «Маска Скорби» – 15-метровый монумент в Магадане, посвященный памяти жертв политических репрессий. На этом месте в сталинские времена находилась «Транзитка» – перевалочный пункт, с которого заключенных отправляли по лагерям Колымы.
Немухин – один из важнейших представитель нонконформизма. Он был отчислен из художественного института за свой радикальный язык и был официально запрещен, однако пользовался популярностью у «оттепельной» аудитории.
«Банки. Игры в карты на пляже», 1989
Собрание Виктора МинчинаВ 1956 году он познакомился с Оскаром Рабиным и присоединился к «Лианозовской группе». На много лет его излюбленным приемом, «подписью» и предметом стали игральные карты. По одной, парами или пасьянсом она появлялись в его творчестве всегда, став символом неопределенности будущего.
Религиозный художник Нестеров воссоздавал образ «русского Христа» в образе Сергия Радонежского, святом и подвижнике Русской православной церкви. Ему посвящен огромный цикл, но «Видение отроку» сам автор называл лучшим произведением за все свое творчество.
«Видение отроку Варфоломею», 1890
Третьяковская галереяВпрочем, даже это полотно Нестеров (который был редко доволен своими работами и частенько их уничтожал) порвал: он упал на картину, когда в сотый раз переписывал лицо отрока.
Новиков – лидер и создатель одного из главных арт-объединений в российском современном искусстве 1980-х «Новые художники». Как-то он экспонировал фанерный щит с дырой, назвав работу «Ноль-объект». Но больше всего Новиков известен благодаря своим аппликациям из тканей.
«Пингвины», 1989
Московский музей современного искусстваЕго называли человеком, который продолжил дело русского авангарда в новых реалиях и на новом материале. В конце прошлого тысячелетия он выставлялся в Tate в Ливерпуле, в Stedelijk в Амстердаме, в музеях и галереях Берлина, Гамбурга, Парижа, Нью-Йорка, Москвы и Санкт-Петербурга.
Классик соц-арта Орлов в своем творчестве исследует имперский стиль и феномен империи в самом широком смысле. Его работы могут быть про разные исторические эпохи разных культур, но все они крутятся вокруг одного – патриархальной системы, основанной на идее доминирования.
«Национальный тотем. А.С. Пушкин в маршальском мундире», 1982
Благотворительный фонд В.ПотанинаОдин из излюбленных его приемов – это использование милитаристских аксессуаров: «Потому что у империи лицо, как правило, военное. И даже невоенное обряжается в мундир».
Главный художник-активист России, чьи акции, поэзия, лекции и даже драки были в 1990-е ярким политическим высказыванием. Он выносил на Красную площадь холодильник, в котором лежал бюст Ленина; выкладывал на той же площади телами своих товарищей нецензурное слово; курил на плече у бронзового Маяковского, и делал много других акций и хэппенингов.
«Баррикада», 1998
Анатолий ОсмоловскийВ 1998 году он и еще 300 активистов на три часа забаррикадировали Большую Никитскую улицу, что ведет к Кремлю, посвятив акцию французской революции 1968 года. Семеро из тех, кто возглавлял это шествие, впоследствие были осуждены - им выписали штрафы.
Не одна картина Перова вызывала горячие споры современников. Художник рисовал жанровые сцена тяжелой народной жизни. «Тройка» с изображением детей, пригнанных в качестве наемной силы в город из деревень, – вероятно, лучшее из его произведений на эту тему.
«Тройка. Ученики-мастеровые везут воду», 1866
Третьяковская галерея
Пименов верно служил политике коммунистической партии в искусстве. Рисовал идиллические картины советского быта и героизировал рабочих заводов и фабрик в самые мрачные времена сталинских чисток.
«Новая Москва», 1937
Третьяковская галереяЕго «Новая Москва» – один из лучших примеров соцреализма: женщина, как символ новой эры, едет по цветущей Москве. Предполагается, что в не менее светлое и красивое будущее.
Пепперштейн родился и взрослел в кругу московских концептуалистов (его отец – знаменитый художник Виктор Пивоваров). Возможно поэтому его творческий импульс с самого начала нашел поддержку – сегодня Пепперштейн один из самых деятельных художников российского искусства и известный писатель.
«Девушка как рама ландшафта», 2018
Предоставлено авторомВ своих работах он создает целые выдуманные миры и собственную мифологию. За это его особенно ценят интеллектуалы.
Он был сыном сапожника, который хотел рисовать иконы. И хотя с иконописью не сложилось, зато мировую известность художнику принес его мессия в виде юноши на красном коне. Созданная за несколько лет до русской революции, эта картина считается пророческой и имеет много интерпретаций. По одной из версий, конь - это Россия, которую в 20 веке ожидала «красная »судьба.
«Купание красного коня», 1912
Третьяковская галерея
По образованию Пригов был скульптором и зарабатывал этим во времена СССР, но вся его бурная творческая деятельность была направлена на то, чтобы самому стать «монументом». В 1970-е годы он был известен и как поэт, из своих выступлений делающий настоящие перформансы. Его так называемые «банки», якобы содержащие отдельные слова и целые стихотворения, напоминают банки Пьеро Мандзони с надписью «Дерьмо художника». Стихи Пригов тоже приравнивал ко всем прочим выделениям тела.
Проект «Банки», 1975
Дмитрий ПриговС перестройкой Пригов от поэтического перформанса окончательно перешел в пространство концептуализма: он делал графику, инсталляции, коллажи, скрещивая идеи, слова и мысли, «расшифровывая геном культуры» и новые символы.
Один из главных религиозных художников, Поленов хотел сделать что-то такое же масштабное, как «Явление Христа народу» Иванова. Ради этого он отправился в годовое путешествие по Константинополю, Палестине, Сирии и Египту, откуда привез первые эскизы и наброски к «Христу и грешнице», своему главному творению. От задумки до завершения полотна по мотивам сцены из Евангелия от Иоанна прошло целых пятнадцать лет.
«Христос и грешница», 1888
Русский музей
Несмотря на то, что прожила она всего 35 лет (умерла от скарлатины вместе с сыном), художница успела побывать художником-футуристом, ученицей Малевича, адептом кубизма и, наконец, конструктивистом.
«Композиция с двумя фигурами»
Пермская государственная художественная галереяВ последнем качестве Попова выступала на производстве – она разрабатывала рабочую одежду для «революционных» профессий.
Классик московского концептуализма, в отличие от коллег, во многом фокусируется на «тайной жизни человеческой души». Как говорил сын художника, Павел Пепперштейн, «Пивоваров всю жизнь рисует комнату души», где все внешние атрибуты, вроде вида из окна, тоже становятся ее частями.
«Проекты для одинокого человека», 1975
Виктор ПивоваровГлавным «изобретением» Пивоварова стал жанр концептуального альбома. В альбомном жанре он сделал один из самых знаменитых своих циклов «Проекты для одинокого человека», расписав день, сны, интерьер и даже небо героя, переживающего экстремальное одиночество. В режиме дня, кстати, и по сей день многие узнают себя. «В принципе, он [режим] не очень изменился», – считает сейчас художник.
«Среди своих товарищей и учеников он оставил по себе тёплое и прочное воспоминание, а в истории русского искусства — блестящий, хотя и короткий след», – писали в некрологе о Пукиреве современники.
«Неравный брак», 1962
Третьяковская галереяДействительно, художник, как и ряд его коллег, фактически стал автором одного шедевра. Его «Неравный брак» выдвинул его в ряд ведущих жанровых живописцев середины XIX века, но остался до конца жизни главным пукиревским шедевром.
Арт-группа Андрея Блохина и Георгия Кузнецова из Краснодара появилась в 2008 году, и уже трижды выставлялась на Венецианской биеннале с тотальными инсталляциями и мультимедийными проектами о дополненной реальности. Все их работы так или иначе связаны с жизнью современного человека эпохи интернета и гаджетов.
«Сonversion», 2015
Арт-группа Recycle«Сonversion» – это грандиозная конструкция со скульптурами и барельефами с изображениями «неоапостолов», носителей новой религии под названием «глобальная сеть».
Рабин – лидер нонконформизма, неофициального искусства СССР 1960-1970-х годов. Он ввел в живопись все то, что официальное советское искусство не допускало – бараки, помойки, бутылки водки и смятые газеты. Это была обратная сторона, и бОльшая, советской глянцевой реальности.
«Неправда», 1975
Фонд семьи ЦукановаХудожник и говорил, что весь это мусор с окраин – он сам и есть: «Я всю жизнь пишу одну картину – свой портрет на фоне страны».
Философ, путешественник и художник-ориенталист с абсолютно уникальным стилем. Его наследие – это более 7000 картин и эскизов, многие из которых хранятся в мировых музеях. Рерих всю жизнь провел в путешествиях, из которых черпал свои сюжеты – от экспедиции в Гималаях и Индии до Средней Азии.
«Заморские гости», 1902
Третьяковская галерея«Заморский гости» были написаны в Париже, и рассказывают о путешествиях в Древней Руси.
Репин мастерски описывал страдания людей 19 века. Тяжелые судьбы бурлаков и революционеров, бытовые сцены из жизни низов, народные процессии – все это сделало его ключевой фигурой русского реализма, художника остросоциального. Но его самая скандальная работа описывает эпизод другой эпохи.
«Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года», 1885
Третьяковская галереяФакт убийства Иваном Грозным собственного сына настолько противоречив (историки до сих пор спорят, было ли это на самом деле или нет), что на шедевр Репина неоднократно покушались еще при жизни художника. Последний раз это случилось в 2018 году – пьяный вандал облил полотно краской.
Рокотов был одним из самых востребованных портретистов у столичной знати 18 века, а изображенная им Александра Струйская, как считали современники, – одной из самых красивых женщин столетия.
«Портрет Струйской», 1772
Третьяковская галереяВ квартире художника могло стоять сразу 50 неоконченных парадных портретов знати за раз – настолько он был популярен. В 1763 году он, в том числе, написал и коронационный портрет Екатерины II.
Родченко, «отец» советской рекламы и дизайна, конструктивист и авангардист, с энтузиазмом принял большевиков и революцию.
Плакат «Ленгиз: книги по всем отраслям знаний», 1925
Фото из архиваЕго плакат Ленгиза, главного и единственного официального советского издательства – образец авангардной рекламы, со всеми ее излюбленными приемами в виде геометрических конструкций и ярких пятен. В центре – фотография Лили Брик, «музы русского авангарда».
Ее «Зеленая полоса» для русского авангарда значит не меньше, чем «Черный квадрат» Малевича. Но в начале пути художница и ее лучшая работа пребывали в тени главного супрематиста, а затем – почти в тотальном в забвении до 1970-х в СССР.
«Зеленая полоса», 1917
Музей-заповедник Ростовского КремляРозанова смогла сделать даже больше, чем Малевич: она не только поставила цвет выше формы, она решила дилемму фона. Ее полоса выглядит как проекция, а не фигура на холсте – кажется, что она продолжается за пределами рамы. Это был первый случай в истории абстрактной живописи.
Самый известный религиозный художник в русской истории - Андрей Рублев, создал настоящий эталон православной иконописи. Его работы в 16 веке признали образцом, на который должны равняться все иконописцы, а написанная им «Святая Троица» стала духовным символом всего русского искусства.
«Икона Святой Троицы», 1422-1427
Третьяковская галереяПро самого Рублева известно не так много. Он был монахом, и всю жизнь посвятил Богу и живописи. В 1988 году Русская православная церковь причислила Рублева к лику святых.
Искусство Салаховой многие называют «феминистическим» и «политическим» – она исследует Восток и Запад, мужское и женское, в ярком сочетании секса и ислама. Мраморные фаллические минареты и черные Каабы-вагины сделали ее популярной и узнаваемой во всем мире.
«Предстояние», 2010-2011
Галерея «Айдан»На Венецианской биеннале в 2011 году ее «Предстояние», скульптура женщины в парандже, пытались цензурировать по требованию президента Азербайджана («Предстояние» размещалось в Азербайджанском павильоне), накрыв белой простыней - жест, в котором многие рассмотрели непомерную иронию: скульптуру закрыли «паранджой», потому что президенту не понравилась паранджа.
Этот портрет, вероятно, стал главной работой в иконографии Серебряковой – настолько он был растиражирован в массовой культуре. Непосредственный и искренний образ по сей день многими считается эталоном женственности.
«За туалетом. Автопортрет», 1909
Фото из архиваКогда портрет впервые представили публике, художник Валентин Серов сказал про него: «Очень милая свежая вещь». Портрет был тут же куплен Третьяковской галереей.
Для российской элиты было честью позировать для Серова. Мастер психологических портретов, русский импрессионист Валентин Серов, писал известных композиторов, писателей, членов императорской семьи и русских князей.
«Девочка с персиками», 1887
Третьяковская галереяТем не менее, одно из самых значительных и известных его полотен – портрет 12-летней девочки, Веры Мамонтовой. Она была дочкой крупнейшего предпринимателя и мецената, Саввы Мамонтова, но Серов впоследствии убрал ее имя из названия. По словам художника, он рисовал не дочку известного человека; он рисовал саму Юность.
Почти 30 лет Семирадский прожил в Риме. Репутация у него была как у одного из наиболее выдающихся представителей позднего европейского академизма, но не сразу и не среди всех. Античный мир с мифами, праздниками, оргиями – художника интересовало только это, за что против него ополчились на родине (тогда в моде были уже передвижники с их крестьянской темой, бедными детьми-сиротами и прочей «правдой жизни»).
«Фрина на празднике Посейдона в Элевзине», 1889
Русский музейСамый авторитетный художественный критик тех времен Владимир Стасов, к примеру, считал его безнадежным классицистом и говорил, что «итальянщина его заела». Илья Репин обозвал его шарлатаном, а коллекционер Третьяков отказывался покупать его работы. Но русские цари всегда были фанатами академизма – например, прямо с выставки картину «Фрина» купил Александр III.
Автор лирических пейзажей, Саврасов стал рано известен и уважаем – в 24 года он уже получил статус академика. Однако у потомков художник-реалист стал «автором одной картины» – ни один другой из его многочисленных пейзажей не может сравниться по популярности с «Грачами». Каждый школьник в России знает эту хрестоматийную картину, потому что писал по ней сочинение.
«Грачи прилетели», 1871
Третьяковская галерея
Представитель соц-арта и, как говорил Соков, «фольклорного поп-арта». Более 30 лет он работал с мифами, образами и символами русской культуры, сталкивая их в одном произведении с западной цивилизацией.
«Мерлин и медведь», 1989-1990
Русский музейХудожник и скульптор уехал из СССР в США, «чтобы не сломаться» под давлением тоталитарной системы госзаказа, которая диктовала художнику абсолютно все, до мельчайших деталей: «В какой руке Ленин должен держать кепку, какой длины трусы у пионера, какая нога опорная у Маркса», – вспоминал Соков.
Суриков сделал себе имя на живописании трагических моментов русской истории. Жестокая борьба со староверами, например, стала сюжетом «Боярыни Морозовой», которую ссылают в монастырь (что было равнозначно аресту) во времена церковного раскола.
«Боярыня Морозова», 1884-1887
Третьяковская галерея
Несмотря на то, что Памятник III Коммунистического интернационала, или Башня Татлина, никогда так и не был возведен, он стал самым эмблематичным детищем своего автора и визитной карточкой конструктивизма во всем мире. Татлин проектировал свою башню в качестве символа революции 1917 года. Не появилась башня в Ленинграде (ныне Санкт-Петербурге) лишь потому, что руководство СССР к концу 1920-х уже охладело к авангардистам и перестало их привлекать.
«Башня Татлина», 1919
Фото из архива
В 1613 году на престол вступили Романовы. Династия правила страной на протяжении веков, но в начале ей нужно было чем-то подтверждать свою легитимность. Большую роль в этом сыграло изображение родословной царского рода, которую сделал иконописец Ушаков: как считают искусствоведы, это было первое и лучшее обоснование того, что царскую власть Романовы получили свыше.
«Древо государства Московского», 1668
Третьяковская галереяСами Романовы, видимо, тоже так считали – Ушакова они сделали главным иконописцем империи, и до самой своей смерти он пользовался милостью и почестями царей.
Классик фотореализма Файбисович рисует, преимущественно, Москву. Причем, не самую приглядную ее сторону: обшарпанные дворы, пустыри, киоски, бездомные собаки, гастарбайтеры, бомжи, обычные прохожие. Но именно благодаря этому считается, что Файбисович ловит на холстах такую трудноуловимую вещь как время. Сегодня стоимость его работ превышает $400 тысяч на мировых аукционах.
«Россиянин», 1991
Третьяковская галерея
Не приняв революцию, он эмигрировал в США в 1923-ем, где прожил счастливые 30 лет – именно поэтому много его работ хранится в американских музеях и частных зарубежных коллекциях.
«Портрет Вари Адоратской», 1914
Татарстанский государственный музей изобразительных искусствНо до своего отъезда из России он успел сделать одну из самых значительных своих картин – портрет юной Вари Адоратской, который также часто сравнивают с «Девочкой с персиками» Серова.
Фешин сегодня – в числе самых дорогих русских художников: в 2010-м на MacDougall's его полотно было продано за $11 млн.
Брак в Российской Империи не часто заключался по любви. Светское общество осуждало неравные браки, но масса людей в середине 19 века все еще считало это отличным способом поправить материальное положение и повысить собственный статус.
«Сватовство майора», 1848
Третьяковская галереяОб этом и одно из самых известных полотен главного жанрового художника Федотова, ставшее фурором в свое время: купеческая семья отдает замуж дочь за обанкротившегося офицера; жених получит от купцов приданое за невесту, а купец – породнится с дворянством.
Как и многие художники 19 века, Флавицкий ездил на обучение в Италию и увенчал свой творческий путь этим признанным шедевром. К сожалению, только одним.
«Княжна Тараканова», 1864
Третьяковская галереяПредыдущие полотна Флавицкого критика называла лишь «подражанием Брюллову», но художник успел вписать себя в историю. Реальная история авантюристки княжны Таракановой (ее настоящее имя никто не знает), выдававшей себя за дочь императрицы Елизаветы, была не совсем такой – она умерла в заключении как политический преступник, но не из-за потопа, а туберкулеза. Впрочем, это было уже не важно. «Княжна Тараканова» стала триумфом Флавицкого. Вскоре после создания картины он умер от чахотки, которой заразился в Италии.
Авангардист Филонов считал себя до мозга костей коммунистом и полагал, что его искусство необходимо народу. Свою многомерность изображения он называл «аналитическим искусством», и никому ни при каких условиях не продавал свои работы.
«Корабли», 1913-1915
Третьяковская галереяЭто его и сгубило: во время блокады Ленинграда он сидел на обледенелом чердаке и охранял картины, заполучив смертельную для него пневмонию.
Художник-нонконформист всю жизнь рисует практически одного персонажа – деформированный человеческий образ, мутанта. «Это не портрет отдельно взятого субъекта, а портрет всеобщий… причем до ужаса знакомый, – поясняет Целков. – Мне случайно удалось сорвать маску с человечества».
«Всадник», 1998
ЭрмитажЭта его «обратная сторона человеческой личности» не сильно нравилась руководству СССР. В 1977 году Целкова попросили покинуть страну, и он уехал во Францию. Только в 2015 году он вновь принял гражданство РФ.
Патриарх мистического сюрреализма родился в России, но большую часть жизни провел в Европе и в США, где и освоил технику для своих знаменитых антропоморфных пейзажей. Его еще называют «русским Дали» за схожесть стиля, но только вот первые намеки на мистический сюрреализм у Челищева появились раньше - как утверждают, за 9 лет до появления этого направления у Сальвадора Дали.
«Феномены», 1936-1938
Третьяковская галереяСегодня его работы находятся в крупнейших музеях и собраниях Европы, а в России Челищевым владеет только Третьяковская галерея, и только одной картиной. Привез «Феномены» в страну тайно друг Челищева, балетмейстер Линкольн Кирстайн. Он передал ее музею, но вплоть до середины 1990-х шедевр пролежал в запасниках.
Чернышева сегодня один из самых востребованных российских художников на глобальной художественной сцене. Ее живопись, видео, графика и фотография несколько раз появлялись на Венецианской биеннале и выставляются в музеях от Вены до Нью-Йорка.
«Без названия. Good Morning», 2014
Ольга ЧернышеваОна далека от монументальности, и вдохновляется мелкими артефактами жизни, банальными сюжетами, вроде песни в метро или спящих на лавке бездомных. Из этих бытовых фрагментов она складывает образы (весьма интимные) современной России.
Еще один герой советского художественного подполья, Чуйков, увлечен идеей соединения иллюзии и реальности, разных стилей и языков. Так появилась и серия «Окна». В «римском» профиле, к примеру, можно узнать портрет Федерико да Монтефельтро знаменитого итальянца Пьеро делла Франческа. Но у Чуйкова это лишь силуэт и красная точка. Что это на самом деле? Солнце? Или лазерный прицел у виска классики, высмеянной постмодернизмом?
«Окно LXIV», 2002
Московский музей современного искусстваРаботы Чуйкова находятся в Центре Помпиду, Художественном музее Зиммерли, Русском музее, Третьяковской галерее.
Видите изумительный русский лес и поля с соснами на обочинах дорог? Будьте уверены, это Шишкин. Согласно Всероссийскому центру изучения общественного мнения, он самый узнаваемый художник в России.
«Утро в сосновом лесу», 1889
Третьяковская галереяВозможно, все благодаря конфетам «Мишка косолапый» – в советское время фрагмент этой картины был напечатан на обертке. И все же никто так хорошо и много не рисовал лесную глушь, луга и поля, как он. Все прочее, за исключением леса, художника мало интересовала.
Один из лидеров русского авангарда Марк Шагал создал свой уникальный, неповторимый стиль. А на самой знаменитой своей работе изобразил все, чем обладал на тот момент жизни: себя, жену и вечную музу Беллу и домики родного Витебска. Этот сюжет не покидал мастера и позже в эмиграции во Франции, только вместо себя и жены он рисовал молодоженов, а вместо Витебска – Париж.
«Над городом», 1918
Третьяковская галерея
Многие русские художники 19 века приезжали в европейскую художественную мекку – Италию, но мало кто сделал ее постоянным центром творчества. Пейзажист Щедрин воспевал красоту Италии, а в особенности Неаполя, практически всю свою жизнь. Там он и умер, не дожив до 40 лет. Чарующий «Вид в Сорренто» он написал за четыре года до смерти.
«Вид в Сорренто», 1826
Третьяковская галерея
Экстер – одна из «амазонок авангарда» и неизменная участница всех крупных выставок нового искусства в начале прошлого века. В 1907 году она на время уехала в Париж, где подружилась с Пабло Пикассо, Фернаном Леже, Гийомом Аполлинером и многими другими, после чего начала пропагандировать их творчество на родине, помогая русским авангардистам адаптировать их приемы в творчестве.
«Венеция», 1918
Третьяковская галереяСама Экстер была последовательницей футуризма. Вернее, особой его русской формы – кубофутуризма. Она иллюстрировала журналы футуристов, делала театральные декорации, эскизы платьев, подушек и даже форму для Красной армии. Но в 1924 году она уехала на Венецианскую биеннале, да так и не вернулась больше в страну.
Художник-экспрессионист, который родился и рос в России, но знаменит стал в Германии. Фанат Ван Гога, Гогена, Сезанна и Матисса, близкий друг и соратник Василия Кандинского, Явленский был близок к абстракции, но держался где-то на границе между нею и фигуративом. Самая большая коллекция его работ хранится сегодня в Висбадене.
Серия «Головы»
Личная коллекция
Новатор в московском «неофициальном искусстве» и вечный одиночка, Янкилевский не вписывался ни в одно творческое объединение, и всегда был как бы на «обочине». Многие просто не понимали его экзистенциальные работы – он всю жизнь писал метафизического «Человека напротив Вечности».
«Loneliness in the Universe», 2013
MAMMИдея людей в ящиках пришла к нему под влиянием того же экзистенциализма. Эти «экзистенциальные ящики» стали метафорой человека, чьи устремления и мечты всегда будут упираться в стены социальной среды. Жизнь в СССР тому прямо способствовала.
Дорогие читатели, чтобы не пропустить наши свежие материалы, подписывайтесь на нас в социальных сетях: Telegram; VK; Яндекс Дзен
